„Au revoir les enfants“ von Louis Malle ist nicht nur einer der großartigsten Schulfilme, sondern steht auch in einer großen Tradition eindrucksvoller Dramatisierungen der Erfahrungen von Kindern während des Krieges. Unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg erschien eine stetige Flut von Filmen, die sich auf die Erfahrungen von Kindern während und nach dem Konflikt konzentrierten. Im Laufe der Jahrzehnte interessierte das Thema Kindheit und Krieg immer wieder Generationen von Filmemachern aus aller Welt, und ab den 1960er Jahren begannen Autoren und Regisseure, die zur Zeit des Zweiten Weltkriegs selbst Kinder waren, ihre Geschichten zu erzählen.

Louis Malle drehte seinen ersten Spielfilm im Jahr 1958, aber es dauerte fast 30 Jahre, bis er sich bereit fühlte, eine erschütternde Episode aus seiner Kindheit noch einmal Revue passieren zu lassen. Sein Film Au revoir les enfants aus dem Jahr 1987, der am 31. Januar wieder in die Kinos kam, erzählt die tragische Geschichte dreier jüdischer Jungen, die sich vor den Nazis im katholischen Internat verstecken, in dem Malle Schüler war. Viele der Titel in der folgenden Auswahl von Filmen über Kinder im Krieg bestätigen Malles Beobachtung.

Angesichts seines verheerenden Ausmaßes wurden mehr Filme über den Zweiten Weltkrieg gedreht als über jeden anderen Konflikt, und er steht auf der Liste weit oben, aber ich hielt es für ebenso wichtig, Darstellungen von Konflikten aufzunehmen, die noch frischer in Erinnerung sind, wie etwa die Kriege im Irak und Liberia. In allen Titeln finden wir Kinder, die versuchen, eine scheinbar sinnlose Welt zu verstehen. Während einige der Charaktere Opfer sind, zeigen andere, dass sie sich mit der chaotischen Natur des Kriegs Lebens auseinandersetzen.

1. Verbotene Spiele

• Erscheinungsjahr: 1952
• Régie: René Clément

René Clément ist wahrscheinlich am besten dafür bekannt, dass er 1960 die sonnenverwöhnte, aber im Kern eisige Patricia-Highsmith-Adaption „Plein Soleil“ inszenierte. In seiner mehr als drei Jahrzehnte dauernden Karriere beschäftigte er sich mit verschiedenen Genres, darunter romantische Dramen (The Glass aus den 1950er Jahren). Castle), Komödien (Monsieur Ripois aus dem Jahr 1954) und harte Thriller wie das Charles-Bronson-Fahrzeug “Rider on the Rain“ aus dem Jahr 1970. Ein Großteil seiner Filmografie war jedoch Bildern gewidmet, die die Dramen und Nöte des Zweiten Weltkriegs dokumentieren, von seinem Spielfilmdebüt The Battle of the Rails“ (1945) bis „Is Paris Burning?“ (1966).

Forbidden Games spielt im Jahr 1940 und erzählt die Geschichte von Paulette (Brigitte Fossey), einem fünfjährigen Mädchen, das widerwillig von einer Bauernfamilie aufgenommen wird, nachdem ihre Eltern bei einem Luftangriff getötet wurden. Sie entwickelt eine Freundschaft mit dem jüngsten Kind ihrer Adoptivfamilie, dem zehnjährigen Michel (Georges Poujouly), doch es fällt ihr schwer, ihren schrecklichen Verlust zu verarbeiten.

2. Ivans Kindheit

• Erscheinungsjahr: 1962
• Regie: Andrei Tarkowski

Im sowjetischen Kino der post stalinistischen Zeit beleuchtete der sogenannte „stille Kriegsfilm“ (Michail Kalatozovs „Die Kraniche fliegen“, 1957; Grigori Tschukhrais Ballade eines Soldaten, 1959) die menschlichen Kosten des Krieges. „Iwans Kindheit“, Andrei Tarkowskis erster Spielfilm, adaptiert eine Geschichte von Vladimir Bogomolov und erzählt von den (geistigen und körperlichen) Erfahrungen seines 12-jährigen Protagonisten (gespielt von Nikolai Burlyaev), einem Späher der Sowjetarmee.

Der Regisseur konstruiert zwei stark gegensätzliche Welten – die Realität des Jungen ist in dunkle, feuchte Schatten gehüllt, während sein Traumleben idyllisch und in sanftes, pflegendes Sonnenlicht getaucht ist. Als der Film anschließend gemeinsam mit Valerio Zurlinis Familientagebuch (1962) den prestigeträchtigen Goldenen Löwen der Filmfestspiele von Venedig gewann, wurde er von manchen wegen seiner expressionistischen und symbolischen Elemente kritisiert; Dies führte zu einer leidenschaftlichen Verteidigung des Bildes durch niemand Geringeren als Jean-Paul Sartre.

3. Diamanten der Nacht

• Erscheinungsjahr: 1964
• Direktor: Jan Němec

Der tschechische Schriftsteller Arnošt Lustig war noch Teenager, als er die Schrecken des Holocaust aus erster Hand miterlebte. Mit 16 Jahren landete er im Konzentrationslager Theresienstadt und wurde anschließend nach Buchenwald und Dachau transportiert. Es gelang ihm, drei Jahre lang zu überleben, bevor er in seine Heimatstadt Prag zurückkehrte, wo er 1945 am Prager Aufstand teilnahm. Lustige Romane griffen auf eindrucksvolle Weise auf seine Kriegserlebnisse zurück und zwei seiner Werke wurden später von ihm für die Leinwand adaptiert. Jan Němec, darunter Diamanten der Nacht aus dem Jahr 1964, der erste Spielfilm des Regisseurs. 

Der Film ist schlicht, kompromisslos roh und experimentell aufgebaut und folgt zwei tschechischen Jungen (Ladislav Jánsky und Antonín Kumbera), die aus der Haft der Nazis fliehen, nur um von den grotesken Gestalten der Heimwehr gejagt zu werden. In einem Interview in L’Avant-Scène Cinéma vom Juni 1966 lobte Němec Lustigs Werk für seine Darstellung des „Kampfes des Menschen um Würde und Überleben“.

4. Kommen Sie und sehen Sie

• Erscheinungsjahr: 1985
• Direktor: Elem Klimov

Elem Klimovs Film erhielt erst spät die Anerkennung, die er verdiente, teilweise dank der Unterstützung von Koryphäen wie Steven Spielberg und J.G. Ballard. In einem Interview mit dem New Statesman nannte Ballard ihn den „größten Anti Kriegsfilm aller Zeiten“, während Spielberg von der Unmittelbarkeit von Klimovs formalem Ansatz beeinflusst wurde, als er 1998 seinen Film „Saving Private Ryan“ über die Landungen am D-Day und ihre Folgen drehte .

„Come and See“ erzählt von der schrecklichen Reise von Flor (Alexei Kravchenko), der sich – sehr sichtbar – von einem verspielten Teenager in einen emotional gezeichneten Partisanen verwandelt, während er gezwungen ist, Zeuge der Barbarei der Nazi-Besatzer zu werden. Klimovs Herangehensweise verbindet unerschütterlichen Realismus mit alptraumhaften Expressionismus, seine Steadicam bewegt sich frei umher, um jede zermürbende Sekunde einer wahrhaft apokalyptischen Vision einzufangen.

5. Hoffnung und Ruhm

• Erscheinungsjahr: 1987
• Direktor: John Boorman

Wie Louis Malle es mit „Au revoir les enfants“ tat, schöpfte John Boorman für seinen zehnten Spielfilm „Hope and Glory“ direkt aus seinen Kindheitserinnerungen und nicht aus den Zeugnissen und Memoiren anderer. Der Regisseur hatte zunächst Schwierigkeiten, die Finanzierung zu sichern, da die Produzenten nicht verstehen konnten, warum ein scheinbar kleiner, intimer Film ein so hohes Budget hatte, aber das lag daran, dass Boorman die Straße, in der er als Kind lebte (Rosehill Avenue, Carshalton), vollständig nachbilden wollte wie er es in Erinnerung hatte.

Im Mittelpunkt des Films steht Billy (Sebastian Rice-Edwards), ein 10-jähriger Junge, der London of the Blitz als eine Explosion der Farben, als ein großes Abenteuer erlebt. Er lebt mit seinen Eltern und zwei Schwestern zusammen und vergnügt sich – weit entfernt von den Figuren der düsteren „Trümmerfilme“ der unmittelbaren Nachkriegszeit – mit seinen Freunden auf den Bomben Standorten der Stadt. 

Nachdem ihr Haus durch einen Brand zerstört wurde, zieht die Familie zu Großvater George (Ian Bannen), wo Billy einen herrlichen Sommer verbringt. Boorman hat nun einen Nachfolger zu „Hope and Glory“ mit dem Titel „Queen and Country“ gedreht, in dem er die Figur des Billy wieder einführte, gespielt von Callum Turner als 18-Jähriger.

6. Reich der Sonne

• Erscheinungsjahr: 1987
• Direktor: Steven Spielberg

Mit mehreren enormen Erfolgen im Rücken, darunter Der Weiße Hai (1975), E.T. (1982) und zwei Indiana-Jones-Filmen übernahm Steven Spielberg die Regie für einen Film, der während des Zweiten Weltkriegs spielt und Regisseure vom Kaliber eines David Lean interessierte. Basierend auf J.G. Ballards halb autobiografischer Roman “Empire of the Sun“ aus dem Jahr 1984 erzählt von Jamie Graham (Christian Bale), einem Schüler aus einer bürgerlichen britischen Familie, der in Shanghai lebt. Nach der japanischen Besatzung wird er von seinen Eltern getrennt und ist gezwungen, sich in einer anarchischen, vom Krieg zerrissenen Landschaft zurechtzufinden.

Wie insbesondere „Ivan’s Childhood“ und „Come and See“ handelt der Film von einer brutal abgebrochenen Kindheit. „Jeder, der einen Krieg aus erster Hand erlebt hat, weiß, dass er jede konventionelle Vorstellung davon, was die alltägliche Realität ausmacht, völlig auf den Kopf stellt“, sagte Ballard 2006 zu Travis Elborough. „Man fühlt sich nie wieder ganz wie zuvor.“ Es ist, als würde man einem Flugzeugabsturz entkommen; “Die Welt verändert sich für dich für immer.“ 

7. Schildkröten können fliegen

• Erscheinungsjahr: 2004
• Direktor: Bahman Ghobadi

Die außergewöhnliche Affinität des iranischen Kinos zur Welt der Kindheit hat in den letzten 30 Jahren mehrere wichtige Filme hervorgebracht, von Mohammad-Ali Talebis Willow and Wind (2000) bis Bahman Ghobadi A Time for Drunken Horses (2000). Im Jahr 2004 drehte Ghobadi „Turtles Can Fly“, einen Film über das Leben einer Gruppe von Kindern, die kurz vor der amerikanischen Invasion im Irak an der irakisch-türkischen Grenze lebten. 

Ihr Anführer ist der hartnäckige Teenager Satellite (Soran Ebrahim) mit Baseballkappe, der so genannt wird, weil er in den umliegenden Dörfern Antennen und Schüsseln installiert, um Nachrichten von der Außenwelt zu empfangen. Satellite hat ein wachsames Auge auf seine Mit Kinder (von denen viele behindert sind) und weist ihnen Aufgaben zu.

„Ich glaube, dass wir Kurden die Kindheit ignorieren“, sagte Ghobadi 2009 in einem Interview mit Gilda Boffa und Zoya Honarmand. „Ich kann sagen, dass es in meinen Filmen überhaupt nicht um Kinder geht; Es geht um Menschen mit kleinen Körpern, aber großen Geistern.“

8. Johnny Mad Dog

• Erscheinungsjahr: 2008
• Direktor: Jean-Stéphane Sauvaire

„Wir wollten so lange plündern, bis nichts mehr zu plündern war, egal, ob das 24, 48 oder 72 Stunden oder sogar eine Woche dauerte“, sagt der gleichnamige afrikanische Kindersoldat mit AK-47 in Emmanuel Dongalas Roman „Johnny“ aus dem Jahr 2002 Tollwütiger Hund. „Selbst der VIP, um den wir gekämpft haben, der Typ, der seit der Eroberung der Stadt seit ein paar Stunden Präsident des Landes war, selbst er konnte uns nicht aufhalten.“

Bei den Dreharbeiten in Liberia bringt der französische Regisseur Jean-Stéphane Sauvaire Johnny Mad Dog auf die Leinwand und behält einen Großteil der Rohheit des Original Romans bei („Meine Waffe sind meine Mutter und mein Vater!“, schreit einer der Soldaten, als er von UN-Wachen konfrontiert wird). Wie im Roman stellt Sauvaire die Geschichte von Johnny (Christopher Minie) der von Laokolé (Daisy Victoria Vandy) gegenüber, einem Mädchen im gleichen Alter, das sich sowohl um seinen Vater als auch um seinen jüngeren Bruder kümmert.

9. Sohn Babylons

• Erscheinungsjahr: 2009
• Direktor: Mohamed Al-Daradji

Mohamed Al-Daradjis erster Film Dreams (2006) nutzte neorealistische Ästhetik (Laienschauspieler, Dreharbeiten) und einen nichtlinearen Erzählstil, um die Geschichte von drei Charakteren aus einer Nervenheilanstalt im Irak zu erzählen. Für seinen zweiten Spielfilm Son of Babylon (2010) griff der Regisseur weiterhin auf die formalen Tropen des Neorealismus zurück. Der Film spielt nur wenige Wochen nach dem Sturz Saddam Husseins im Jahr 2003 und folgt der Reise der älteren Frau Um-Ibrahim (Shehzad Hussen) auf der Suche nach ihrem erwachsenen Sohn, der seit mehr als einem Jahrzehnt vermisst wird. 

Accompanying Um-Ibrahim on her search is 12-year-old grandson Ahmed (Yassir Taleeb) who carries his missing father’s flute with him wherever he goes. In narrative and thematic terms, the film has strong echoes of Vittorio De Sica’s Bicycle Thieves (1948) but it’s often Al-Daradji’s striking widescreen compositions that bring home the forbidding nature of Um-Ibrahim and Ahmed’s search.

10. Überlieferung

• Erscheinungsjahr: 2012
• Direktor: Cate Shortland

Basierend auf einer der Geschichten in Rachel Seiferts Buch „The Dark Room“ aus dem Jahr 2002 erzählt Cate Shortlands zweiter Film von fünf Geschwistern, die sich auf eine harte Kriegs Reise begeben, und erinnert daher an mehrere frühere Filme über Kindheit und Krieg – insbesondere „Come and See“. Als Seiffert und Shortland sich zum ersten Mal trafen, zeigte der Schriftsteller als Inspiration den Film des australischen Regisseurs Klimov.

Die Protagonistin von Lore (2012) – brillant gespielt von Saskia Rosendahl – ist eine 16-jährige Tochter eines Nazi-Offiziers an der Schwelle zum Erwachsenenalter, die immer noch an der nationalsozialistischen Ideologie festhält. In einem Interview mit Sight & Sound aus dem Jahr 2013 hebt Shortland Seiferts „humanistischen Intellekt und Mitgefühl“ hervor und enthüllt, dass der schwierigste Aspekt des Projekts nicht darin bestand, einen „Apologeten Film” zu machen, sondern einen, der den Zuschauern die Möglichkeit gibt, sich eine eigene Meinung zu bilden.